Portishead - Third

Nach einer elfjährigen kreativen Pause meldeten sich Portishead 2008 mit „Third“ zurück - ein Album, das (etwas später) wie ein seismisches Ereignis meine musikalische Landschaft erschütterte. Die Bristol-Formation, einst Pioniere des Trip-Hop, hatte sich von den sanften, melancholischen Klanglandschaften ihrer früheren Werke weit entfernt und präsentierte sich in einer Form, die gleichermaßen verstörend wie faszinierend wirkte. Die Entwicklung von Portishead bis zu diesem Punkt war geprägt von einer stetigen Suche nach dem Unerhörten, dem Unbehaglichen, dem Unerwarteten. „Third“ markiert dabei nicht nur eine Weiterentwicklung, sondern einen radikalen Bruch - sowohl mit den Erwartungen der Fans als auch mit den eigenen musikalischen Konventionen. Es ist, als hätte die Band die DNA ihrer Musik dekonstruiert und in einer düsteren Zukunftsvision neu zusammengesetzt.

Das Album zieht einen in einen Strudel aus dunklen, pulsierenden Beats und einer schier greifbaren, emotionalen Intensität. Es ist ein Werk, das kalte Mechanik und rohe Emotionen miteinander verwebt und dabei eine Atmosphäre der Zerrissenheit und Isolation erschafft. „Third“ taucht tiefer in eine düstere, industrielle Welt ein, in der jeder Beat wie das Echo eines leeren Raumes klingt und jeder Ton ein Schrei in die Stille ist. Es vermittelt in seiner Trostlosigkeit und Fragilität ein seltsames Gefühl von Nähe und Verständnis.

Schon mit den ersten Klängen macht „Third“ klar, dass hier keine Wärme zu finden ist. Es ist ein Album, das wie ein kühler, mechanischer Puls in einer sterilen, menschenleeren Umgebung wirkt - eine Landschaft aus Stahl und Beton, die von der düsteren Schönheit des Minimalismus lebt. Und doch ist es gerade diese kalte, graue Umgebung, die die zerbrechliche Stimme von Beth Gibbons in den Mittelpunkt rückt. Ihr Gesang schwebt über den klaustrophobischen Beats und den harschen, industriellen Klängen wie eine verlorene Seele, die versucht, in einer Welt zu überleben, die keinen Platz für sie hat. Gibbons' Stimme wirkt auf „Third“ fast zerbrechlicher als je zuvor - ein Hauch von Menschlichkeit inmitten einer trostlosen Maschine. Die rohe Emotionalität, die Beth Gibbons in ihrer Stimme trägt, trifft einen mitten ins Herz, und es gibt Momente, in denen man fast den Atem anhält, weil die Musik so erdrückend, so intensiv ist. Welche Präsenz diese Frau auf diesem Album hat, ist unfassbar. Sie singt nicht einfach nur, sie durchlebt jeden einzelnen Ton, jedes Wort, als würde sie einen Schmerz hinausschreien, den sie tief in sich trägt. Ihre Darbietung auf „Third“ ist eine verletzliche und gleichzeitig unbezwingbare Kraft, die einen packt und in eine Spirale aus Melancholie und existenziellen Ängsten zieht.

Besonders beeindruckend ist die Art und Weise, wie „Third“ mit Erwartungen und Genrekonventionen spielt. ‚We Carry On‘ ist ein industrieller Moloch, der mit seiner hypnotischen Monotonie an Krautrock-Experimente erinnert und gleichzeitig eine fast physisch spürbare Beklemmung erzeugt. Hier dominieren fieberhafte Beats und ein treibender, fast martialischer Rhythmus. Der Song trägt einen psychotischen Grundtenor in sich - es ist, als würde man durch ein verlassenes Fabrikgelände streifen, während am Horizont atomare Wolken aufsteigen.

Im Gegensatz dazu steht ‚The Rip‘ - ein Song, der zunächst wie eine zarte Folkballade beginnt, nur um sich dann in eine sphärische Synthesizer-Odyssee zu verwandeln - eine schwindelerregende, fast surrealistische Flucht vor der Realität. ‚The Rip‘ ist ein Song, der sich gleichzeitig schwerelos und unerträglich erdrückend anfühlt, als ob man in einer leeren, endlosen Weite verloren geht. Die Melodie schwebt wie ein Hauch durch den Raum, zart und doch mit einer kaum greifbaren Tiefe versehen. Es ist dieser Kontrast zwischen dem Intimen und dem Kosmischen, dem Handgemachten und dem Elektronischen, der „Third“ zu einem so fesselnden Hörerlebnis macht.

Und dann ist da ‚Machine Gun‘. Kein anderer Song auf „Third“ verkörpert die düstere Kälte des Albums so sehr wie dieser. Mit einem grausam pulsierenden Beat, der wie das repetitive Feuer einer Maschinenpistole klingt, baut der Track eine nahezu unerträgliche Spannung auf. Die Synthesizer heulen im Hintergrund, als ob sich eine unheilvolle Gefahr nähert, während Gibbons' Stimme wie ein einsames, verzweifeltes Echo durch die trostlose Klanglandschaft hallt. Und doch strahlt ihre Stimme inmitten dieses musikalischen Schlachtfelds eine unglaubliche Kraft aus. ‚Machine Gun‘ ist laut, düster, erschütternd - ein Song, der keine Gnade kennt und einen in eine düstere Welt voller Lärm und Schmerz zieht. Es ist das Herzstück des Albums, ein Manifest der Verzweiflung, das den emotionalen Tiefpunkt markiert und dennoch eine unheimliche Faszination ausübt. Es ist diese Unmittelbarkeit, die „Third“ so einzigartig macht - es gibt keine Distanz zwischen der Musik und dem Hörer, man ist unmittelbar Teil dieser düsteren Klangwelt.

Die gesamte Produktion des Albums ist ein Meisterwerk der Klangarchitektur. Jeder Song ist wie ein eigenes Mikrouniversum, in dem Geräusche und Melodien in unerwarteten Konstellationen aufeinanderprallen. Jeder Ton, jede Stille ist perfekt platziert, um eine maximale emotionale Wirkung zu erzielen. ‚Magic Doors‘ beispielsweise integriert ein verstörendes Saxophon-Motiv in eine Struktur aus stolpernden Beats und dissonanten Synthesizerlinien. Im Vergleich zu früheren Alben wie „Dummy“ oder „Portishead“ zeigt sich auf „Third“ eine fast aggressive Experimentierfreudigkeit. Die Band scheint jede Erwartung, jede Formel, die mit ihrem Namen verbunden war, bewusst zu unterlaufen. Die dichten, fast klaustrophobischen Soundwelten lassen einen kaum Luft holen, und doch gibt es immer wieder diese Momente, in denen die Musik Raum zum Atmen lässt, in denen die leisen Töne genauso viel sagen wie die lauten. Es ist ein Balanceakt zwischen Zerstörung und Erlösung, und Portishead meistern diesen mit einer unglaublichen Präzision. Diese minimalistische Eleganz, die Portishead hier an den Tag legen, wirkt wie ein flirrendes, musikalisches Fieber. Die Mischung aus elektronischen Beats, verzerrten Gitarren und klassischen Instrumenten erzeugt eine Dichte, die gerade in ihrer sparsamen Verwendung von Klängen eine enorme emotionale Wucht entfaltet. Die düstere Spannung, die im Raum liegt, wird nie gelöst, sie bleibt, sie steigert sich bis zur Unerträglichkeit.

Die dichte Soundlandschaft, die Geoff Barrow und Adrian Utley entwerfen, verstärkt das Gefühl von Isolation und innerem Aufruhr. Es gibt Songs auf diesem Album, die wie Schatten erscheinen, die einen umhüllen und fast erdrücken. Es fühlt sich an, als ob die Instrumente genauso viel erzählen wie Gibbons selbst, jedes Gitarrenriff und jede verzerrte Melodie trägt ein schweres Gewicht auf den Schultern.

Portishead haben mit „Third“ ein Werk geschaffen, das sich von allem abhebt, was sie vorher getan haben - ein Album, das nicht in den warmen, analogen Klang des Trip-Hop eingebettet ist, sondern in eine kalte, mechanische Zukunft blickt. Es ist ein Werk, das von Trostlosigkeit und Isolation spricht, aber dennoch die menschliche Zerbrechlichkeit in all ihrer Schönheit offenbart. Ein Album, das verstört und tröstet, das den Hörer in eine trostlose Welt entführt, in der man dennoch einen seltsamen Frieden findet. Third bleibt für mich eines der intensivsten und bewegendsten Alben der elektronischen Musik - ein Werk, das in seiner Kälte und seinem Schmerz eine unerwartete Wärme birgt.

„Third“ gehört zu den besten Musikalben des neuen Jahrtausends, weil es etwas schafft, was nur wenigen Werken gelingt: Es reißt den Hörer emotional in Stücke und setzt ihn gleichzeitig wieder zusammen. Es fordert, es drängt, es lässt einen nicht los - und gerade deshalb bleibt es so lange im Gedächtnis. Es ist nicht nur musikalisch brillant, sondern auch eine emotionale Tour de Force.

The Soft Boys - Underwater Moonlight

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In der britischen Musikgeschichte fristen The Soft Boys bis heute eine Randexistenz, deren Einfluss ungleich größer war als ihr tatsächlicher Nachhall und deren Name dennoch meist nur in Fußnoten oder Liebhaberlisten auftaucht. Als sich Punk bereits voll zu entwickeln begann und die ersten Post Punk-Bands ihre Neurosen, Kunstschulobsessionen und Klangexperimente kultivierten, standen The Soft Boys ohnehin schon abseits. Das 1980 veröffentlichte "Underwater Moonlight" deutet einen sonderbaren Übergang zwischen den ausfransenden Resten psychedelischer Rockmusik und der nervösen Ästhetik des Post Punk an. Robyn Hitchcock, dessen Songwriting schon damals zwischen britischem Nonsens, paranoider Psychedelia und Beatles-esker Melodieseligkeit schlenkerte, vollbrachte gemeinsam mit Kimberley Rew, Matthew Seligman und Morris Windsor ein Album, das sich jeder eindeutigen Einordnung entzieht.

Die Band entstand Ende der Siebzigerjahre im Umfeld der Cambridge-Szene, zu einer Zeit, in der die Punk-Eruption zu erstarren begann und sich die musikalische Gegenbewegung in experimentellere Richtungen bewegte. Das Debüt der Band klang noch deutlich sprunghafter und unausgegorener: eine nervöse Ansammlung aus Psychedelia, Folkfragmenten und schrammeligem Punk, der man freilich schon anhörte, dass hier keine gewöhnliche Retroband am Werk war. Erst auf "Underwater Moonlight" gelang es der Band, die zuvor noch lose nebeneinanderstehenden Einflüsse tatsächlich in einen eigenständigen Sound zu überführen.

Die ersten Minuten lassen erahnen, wie eigenartig diese Platte funktioniert. Die Gitarren zitieren einerseits unverkennbar die Byrds und die helle Jangle-Ästhetik der Sechzigerjahre, klingen andererseits aber fahriger und leicht beschädigt. Oberhalb liegen blinzelnde Flächen, hektische Rhythmuswechsel und Hitchcocks extravaganter Gesang, der sich durch diese Songs zieht wie eine halb ironische, halb desorientierte Erzählerfigur. Seine Texte wirken oft absurd, kindlich verschroben, kippen jedoch immer wieder ins unmerklich Bedrohliche.

Vor allem die Gitarren bestimmen den Charakter des Albums. Hitchcock und Kimberley Rew verweben ihre Motive mit angenehmer Ungeniertheit; melodisch, verspielt und doch stets leicht schief und immer etwas instabil. Das Zusammenspiel erinnert stellenweise an Television, allerdings ohne deren urbane Kühle und technische Virtuosität; The Soft Boys klingen deutlich verwahrloster, unberechenbarer und britischer. Songs wie 'I Wanna Destroy You' besitzen zwar die typische Energie klassischer Punksongs, aber auch eine verwunderliche Mischung aus Spöttelei, zwanghafter Einbildung und popmusikalischer Leichtigkeit, die das gesamte Album durchquert.

Bedeutend ist eher, dass die Band bei aller Verschrobenheit nie den Sinn für Pop verliert. 'Kingdom Of Love' etwa windet sich durch verschachtelte Gitarrenfiguren und hypnotische Wiederholungen, bleibt aber merkwürdig zielsicher. Überhaupt lebt "Underwater Moonlight" von diesem chronischen Ungleichgewicht; so gut wie jeder Song scheint kurz davor, entweder einzubrechen oder gänzlich abzuheben, findet aber immer wieder zurück in diesen popmelodischen Zerfall.

Das Album besitzt trotz seiner Sprunghaftigkeit eine erstaunliche Geschlossenheit, weniger im klassischen kompositorischen Sinne als vielmehr atmosphärisch. Viele Bands aus der Zeit schlossen sich entweder der Strenge und Kälte des Post Punk an oder verloren sich im geschniegelten New Wave-Pop; The Soft Boys hingegen sorgten mit der Psychedelia der Sechzigerjahre und der Nervosität des Punk für einen Kurzschluss auf ihrem Werk und bewirkten damit etwas, das sich rückblickend wie das fehlende Bindeglied anhört. Deshalb wirkt das Album auch heute noch erstaunlich modern.

"Underwater Moonlight" ist zudem stark von Hitchcocks skurriler Gedankenwelt geprägt: von surrealem Humor, unterschwelliger Bedrohung, paranoiden Bildern und einer närrischen Ausprägung melancholischer Verwunderung. Seine Songs funktionieren selten über klare Aussagen oder lineare Erzählungen.

Dass "Underwater Moonlight" bei seinem Erscheinen weitgehend unterging, ist selbtserklärend  folgerichtig. Das überdrehte, aber seltsam schöne Album passte in keine Szene wirklich hinein; zu schräg für den Pop, zu melodisch für die damaligen Avantgarde-Fraktionen, zu verspielt für orthodoxe Punkhörer. R.E.M., Pavement oder auch Teile des britischen Indie Rock der Achtziger- und Neunzigerjahre wären ohne dieses Album vermutlich kaum in derselben Form denkbar gewesen.

Gelesen und einverstanden,
Dresden, den 28.09.2024

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04. JAN. 2026

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Idles - Joy as an Act of Resistance

Manchmal kommt ein Album daher, das so brutal ehrlich, so ungeschönt direkt ist, dass es einen mit voller Wucht trifft. „Joy as an Act of Resistance“ von Idles hat mich bereits beim ersten Hören niedergehauen, weil es eine rohe Mischung aus Wut, Hoffnung, unglaublicher musikalischer Kraft und einer gnadenlosen Ehrlichkeit bietet, die mich nicht mehr losgelassen hat. Dieses Album ist wie ein Schrei - laut, aber niemals hohl; aggressiv, aber mit Substanz und einer klugen Botschaft, die sich durch jeden Song zieht. Es ist selten, dass ein Album so direkt, so ungefiltert und dabei so klug daherkommt wie dieses. Hier stimmt einfach alles, von den messerscharfen Texten bis hin zur gnadenlosen Performance der gesamten Band. Idles haben mit diesem Werk etwas geschaffen, das nicht nur aggressiv und aufwühlend ist, sondern auch voller Herz und Verstand - eine klanggewordene Revolte gegen Apathie und Zynismus.

Mit „Joy as an Act of Resistance“ haben Idles eine neue Ära für den Punk eingeläutet, eine Ära, in der Verletzlichkeit genauso wichtig ist wie Aggression. Es ist ein Album, das nicht nur auf das Chaos der Welt reagiert, sondern auch den Mut zelebriert, trotz allem Freude zu empfinden. Es ist sowohl Kampfansage als auch Heilungsprozess, eine leidenschaftliche Aufforderung, sich gegen Hass, toxische Männlichkeit und gesellschaftliche Zwänge aufzulehnen - nicht nur mit Wut, sondern mit Freude und Liebe.

Die Texte, die Joe Talbot mit seiner unverwechselbaren, rauen Stimme in die Welt hinausbrüllt, haben Gewicht - sie sind pure Poesie der Gegenwart, voller sozialer Themen, persönlicher Kämpfe und mit einer radikalen Offenheit, die man nicht oft in der Musik findet. Er hat etwas zu sagen, und er tut dies auf eine Weise, die einen gleichzeitig zum Lachen, Weinen und Nachdenken bringt. In ‚Samaritans‘, einem der herausragenden Stücke auf dem Album, wird toxische Männlichkeit seziert und gnadenlos offengelegt. „Man up, sit down, chin up, pipe down“ - diese Worte treffen wie Hammerschläge. Es ist eine zynische, aber auch tiefgründige Kritik an den veralteten, schädlichen Rollenbildern, die Männern aufgezwungen werden, und Talbot schreit diese Sätze in einer Art, die man ihm ohne zu zögern abnimmt.

Doch es sind nicht nur die Texte, die dieses Album so besonders machen. Die Musik selbst ist eine unaufhaltsame, rohe Kraft, die jeden Raum erfüllt und das Herz vibrieren lässt. Besonders herausragend ist das phänomenale Schlagzeugspiel von Jon Beavis. Was dieser Typ hier abliefert, gehört zu den besten Drumming-Performances, die ich in den letzten Jahren gehört habe (er hat sich sogar nochmal selbst übertroffen auf dem ebenfalls grandiosen Nachfolger „Ultra Mono“). Beavis treibt die Songs voran, als würde er versuchen, die gesamte Welt durch seine Beats zu bewegen. Es ist nicht nur Energie, es ist Präzision, Power und Timing - alles perfekt eingefangen in einer Produktion, die den wahren Geist dieser Band zum Leuchten bringt. Die Art und Weise, wie er die Songs antreibt, wie er jedes einzelne Stück mit rhythmischer Gewalt nach vorne peitscht, ist einfach phänomenal. Beavis ist ein unübersehbares Jahrhunderttalent - seine Beats sind pulsierend, lebendig und tragen eine massive Last der Energie, die dieses Album von Anfang bis Ende prägt.

Die gesamte Band spielt auf diesem Album in absoluter Hochform. Die Gitarren von Mark Bowen und Lee Kiernan sägen und knirschen, sie sind mal krachend und brutal, mal subtil und verstörend, immer aber perfekt platziert. Der Bass von Adam Devonshire ist wuchtig und tief, zieht die Songs in eine fast schon bedrohliche Tiefe. Zusammen schaffen sie eine Klanglandschaft, die rau und ungeschliffen ist, aber gerade deswegen so authentisch und packend wirkt.

In ‚Love Song‘ explodiert die Band förmlich. Die Gitarren schneiden durch den Raum, und Beavis hämmert die Drums, als hinge das Schicksal der Welt davon ab. Es ist eine Hymne, die gleichzeitig vor Liebe und Wut sprüht - diese Mischung, die Idles so einzigartig macht. Nichts an diesem Album fühlt sich gekünstelt an; es ist pure, unverfälschte Emotion, und das spürt man bei jedem Song. Es sind diese Momente, in denen Talbot mit seiner Wut und Verletzlichkeit zugleich kämpft, die das Album so besonders machen.

Ein weiteres Highlight ist das düstere und schmerzhafte ‚June‘, in dem Talbot den Tod seiner Tochter verarbeitet. „Baby shoes for sale, never worn“ - dieser Satz ist einer der erschütterndsten Momente, die ich in Musik in den letzten Jahren erlebt habe. Es ist ein Lied, das einem das Herz zerreißt, weil es so ehrlich und direkt ist. Idles sind hier nicht laut, sie sind leise, und genau das macht diesen Song so intensiv. Die Band hält sich musikalisch zurück, lässt den Text und die Trauer für sich sprechen, und das Ergebnis ist ein emotionaler Tiefschlag, der lange nachhallt.

„Joy as an Act of Resistance“ ist mehr als nur ein Punkrock-Album. Es ist eine Demonstration von Wut, von Hoffnung, von Widerstand - aber auch von Liebe und Gemeinschaft. In ‚Television‘ wird diese Botschaft fast zur Hymne: „If someone talked to you the way you do to you, I’d put their teeth through“ - ein Aufruf zur Selbstakzeptanz und zur Ablehnung der destruktiven Schönheitsideale, die uns allen aufgedrängt werden. Es ist ein Song, der nach Freiheit schreit, nach dem Recht, sich selbst so zu lieben, wie man ist.

Und das alles wird durch Joe Talbot’s eigenwilligen Gesangsstil noch verstärkt. Er klingt oft, als würde er die Worte direkt aus seiner Seele reißen. Seine Stimme ist vielleicht nicht perfekt im klassischen Sinne, aber sie scheint wie eigens für die Musik geschaffen, die Idles machen. Seine raue, ungeschönte Art zu singen verleiht den Texten eine zusätzliche Schicht Echtheit, die man bei vielen Bands vermisst.

Was dieses Album so besonders macht, ist die Kombination aus purer, ungeschliffener Energie und einer Botschaft, die in jedem Moment mitschwingt. Die musikalische Brillanz von Idles liegt darin, dass sie es schaffen, diese rohe Kraft zu kanalisieren und in präzise, kraftvolle Songs zu gießen. Jeder Track auf „Joy as an Act of Resistance“ fühlt sich an wie ein Befreiungsschlag, eine Botschaft der Hoffnung und des Trotzes in einer Welt, die oft zu kalt und zu hart ist.

Es ist diese Energie, diese Ehrlichkeit, die mich immer wieder zu diesem triumphalen Album zurückzieht. „Joy as an Act of Resistance“ gehört zu den besten Alben der letzten Jahre, weil es zeigt, dass Musik mehr sein kann als nur Unterhaltung - sie kann Widerstand sein, sie kann heilen, und sie kann eine Waffe gegen all das sein, was uns niederdrückt.

Lillian Axe - Psychoschizophrenia

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Mit ihrem vierten Album gelang Lillian Axe 1993 ein Wurf, den man dieser sträflich unterschätzten Band im Rückblick kaum hoch genug anrechnen kann. Zwischen Hard Rock, Metal und den ersten Vorboten einer sich anbahnenden stilistischen Loslösung entstand, weniger aus vordergründiger Energie als aus einer beständig gehaltenen emotionalen Spannung heraus, ein Album von einem seltenen inneren Zusammenhang.

Schon nach wenigen Minuten stellt sich heraus, dass sich "Psychoschizophrenia" nicht als gewöhnliches Genrealbum verstanden wissen will. Der Titel selbst verweist auf eine psychische Zerrüttung, die keineswegs als lyrisches Motiv herhalten muss, sondern der gesamten Dramaturgie dienlich ist. Wenige Werke dieser stilistischen Herkunft verbinden kompositorischen Ehrgeiz derart selbstverständlich mit einer Atmosphäre durchgehend innerer Erosion; "Psychoschizophrenia" ist das Zeitdokument einer Band, die ihre Mittel vollständig beherrscht und sich weigert, innerhalb säuberlich gezogener stilistischer Grenzen zu verharren.

Bereits mit "Love + War" und "Poetic Justice" hatten sich Lillian Axe einen Ruf erworben, der weit über ihre kommerzielle Wahrnehmung hinausreichte, denn als sich viele ihrer Zeitgenossen den Erfolg über kalkulierte Hooks und ein sauber zugeschnittenes Image erkauften, lag die eigentliche Stärke dieser Band stets in der Verbindung eingängiger Melodien mit einer erstaunlich introspektiven Thematik, einer Kombination, die ihnen innerhalb der Melodic-Rock-Szene eine Sonderstellung sicherte.

Mit "Psychoschizophrenia" bewegte man sich, oberflächlich betrachtet, in dieselbe Richtung wie zahlreiche Metal-Bands der frühen Neunziger, die auf die veränderten Vorzeichen der Zeit mit düsteren, emotional schwereren Werken reagierten; Lillian Axe jedoch begnügten sich nicht damit, vorhandene Muster zu reproduzieren, sondern erweiterten ihre Musik um progressive Strukturen, ohne die melodische Zugänglichkeit ihrer früheren Veröffentlichungen preiszugeben.

Während 'Crucified' und 'Deepfreeze' mit einer ungewöhnlich verbissenen Härte vorgehen und die innere Zerrissenheit ihres Protagonisten unverzüglich in Musik übersetzen, offenbart 'The Day I Met You' seltene Zurückhaltung, ohne die den stärksten Momenten des Albums ihr emotionales Gewicht fehlte; dieses Wechselspiel aus Aggression und Verletzlichkeit prägt den Charakter von "Psychoschizophrenia".

Nahezu exemplarisch bündelt 'Crucified' die Stärken des Albums: Aus einem zunächst unscheinbaren Gitarrenmotiv entwickelt sich eine bezeichnende Sogwirkung, die schließlich in einem der eindringlichsten Refrains der gesamten Diskographie mündet, ohne dass der Song dabei in Schwere oder Düsternis abdriftet; stattdessen ordnet er emotionale Extreme mit einer Unzweideutigkeit, die weit über das hinausreicht, was man Anfang der Neunziger innerhalb des Hard Rock gemeinhin erwarten durfte.

Nicht minder gelungen ist 'Stop the Hate', in dem die Band massive Gitarrenarbeit mit einer ungewöhnlich verschachtelten Songarchitektur verbindet. Ähnlich verhält es sich mit 'Those Who Prey', dessen langsamer Aufbau in einer kontrollierten Eskalation gipfelt und dessen Themen, Manipulation, Macht und psychische Vereinnahmung, in der bedrückenden Atmosphäre des Stücks spürbar werden.

In solchen Momenten zeigt sich, weshalb "Psychoschizophrenia" weit über den Status eines gut geschriebenen Hard-Rock-Albums hinauswächst: Die Texte bleiben häufig fragmentarisch und mehrdeutig und entfalten dadurch eine größere Wirkung als die expliziten Bekenntnisse vergleichbarer Veröffentlichungen. Steve Blaze und seine Mitstreiter formulieren keine eindeutigen Botschaften, sie entwerfen Zustände aus Zweifel, Selbstzerstörung und Orientierungslosigkeit, deren Wirkung sich häufig erst nach mehreren Durchläufen vollständig erschließt.

"Psychoschizophrenia" ist folglich kein Album, das einem entgegenkommt. Seine Themen sind schwer, seine Stimmung häufig bedrückend, seine Arrangements stellenweise überraschend komplex. Daraus bezieht es einen erheblichen Teil seiner Wirkung, denn die Band behandelt ihre Motive mit einer glaubwürdigen Ernsthaftigkeit.

Die eigentliche Qualität des Albums liegt jedoch an anderer Stelle. Im Vergleich zu den stärker vom Glam Metal geprägten Vorgängern zeigt sich hier eine Band, die ihr bisheriges Schaffen nicht verwirft, sondern weiterentwickelt, die vertrauten Melodien und hymnischen Refrains bewahrt, sie aber in deutlich anspruchsvollere Strukturen einbettet. Im transparenten Klang findet selbst das unscheinbarste Detail genügend Raum zur Entfaltung; kaum eine Passage wirkt überflüssig, Riffs, Melodien und Arrangements greifen stimmig ineinander.

So fügt sich das Album zwar schlüssig in das Gesamtwerk der Band ein, signalisiert aber einen entscheidenden Entwicklungsschritt, denn Lillian Axe lösen sich hier endgültig von den Beschränkungen einer Musikrichtung, deren ästhetische Bestimmungen Anfang der Neunziger an ihre Grenzen stießen, und legen stattdessen ein Werk vor, das psychologische Tiefe, kompositorischen Ehrgeiz und melodische Zugänglichkeit in seltener Ausgewogenheit zusammenbringt.

Dass viele Anhänger der Band bis heute gerade dieses Album als ihren kreativen Gipfel betrachten, überrascht daher kaum, zumal "Psychoschizophrenia" auch mehr als drei Jahrzehnte nach seiner Veröffentlichung erstaunlich wenig von seiner Wirkungsstärke eingebüßt hat. Es bleibt somit nicht nur ein außergewöhnliches Hard Rock-Album zwischen Zugänglichkeit und Abgrund, sondern das seltene Zeugnis einer Band, die im entscheidenden Moment den Mut aufbrachte, über die Grenzen ihres eigenen Genres hinauszugehen.

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Dresden, den 19.09.2024

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EINGEGANGEN

21. SEPT. 2024

ARCHIV-VERWALTUNG

Primus - Sailing the Seas of Cheese

"When the going gets tough / And the stomach acids flow / The cold wind of conformity / Is nipping at your nose / When some trendy new atrocity / Has brought you to your knees / Come with us we'll sail the / Seas of Cheese"

Mit diesem augenzwinkernden Gruß kentert man in die bizarren Gewässer von Primus, wird hineingezogen in eine musikalische Odyssee, die einen gleichermaßen amüsiert und aus der Fassung bringt; wer 1991 "Sailing the Seas of Cheese" auflegte, das Majorlabel-Debüt und zugleich zweite Studiowerk der Band, bekam ein Album von schamloser Frechheit und ebenso schamloser Virtuosität vorgesetzt, das die Grenze zwischen Können und Absurdität, zwischen Funk und Prog Rock, zwischen Humor und Sozialkritik mit spürbarem Vergnügen verschmiert. Im alternativen Rock der frühen Neunziger nehmen Primus eine Sonderstellung ein, die so eigenwillig ist wie der knatternde, schnalzende Bass ihres Anführers: Les Claypool agiert hier als Triebfeder einer Ästhetik, die sich jeder Schublade entzieht, und das Ergebnis ist ein Werk, das zu gleichen Teilen zugänglich und widerspenstig, eingängig und sperrig klingt (was, nebenbei bemerkt, für sich genommen schon eine kleine Kunst ist).
Die Entstehung des Albums fällt in eine Zeit, in der die alternative Szene gerade dabei war, den Mainstream zu erobern; indem sich die meisten Zeitgenossen dem Grunge verschrieben, segelten Primus stur weiter in ihre eigenen, skurrilen Gewässer. Das Kunststück, die experimentelle Ader zu bewahren und trotzdem ein breiteres Publikum zu erreichen – das gelingt ihnen hier, und zwar ohne dass man ihnen den Ausverkauf auch nur ansatzweise vorwerfen könnte.

Klanglich ist das Album ein dichtes Maschenwerk: Claypools virtuoses Bassspiel, Larry LaLondes eigenwillige Gitarrenlinien, Tim Alexanders komplexe, mit spielerischer Leichtigkeit zusammengehaltene Rhythmen. Claypools Slap-Bass, der zwischen Funk, Prog und avantgardistischem Jazz pendelt, bildet das Rückgrat der Songs; LaLonde kontert mit dissonanten Gitarrenfiguren, die weit eher an Captain Beefheart erinnern als an irgendetwas, das man konventionellen Rock nennen könnte, während Alexander dieses Chaos mit mathematischer Präzision zusammenhält, ohne ihm dabei die Leichtigkeit zu nehmen.
Gegenüber dem Indie-Debüt "Frizzle Fry" ist "Sailing the Seas of Cheese" fokussierter, zugänglicher, ohne auch nur ein Gramm an Exzentrik einzubüßen, dies unterstreicht die Chemie zwischen den drei Musikern; die Band destilliert ihre musikalische Vision, verdichtet sie und schärft somit die Wirkung der Songs.

Der Opener 'Here Come the Bastards' ist eine surreale, karikaturhafte Welt, in der die Konventionen von Rock und Metal auf den Kopf gestellt werden. Claypools Bass, slapgetrieben und perkussiv bis zur Groteske, ist das Herzstück des Albums; seine Spielweise ist nicht alleinige Virtuosität, sondern Bestandteil der musikalischen Identität von Primus, nimmt einen von der ersten Minute an in Beschlag und verleiht selbst den verrücktesten Eskapaden eine geradezu übersinnliche Präzision.
'Jerry Was a Race Car Driver' ist, mit treibendem Rhythmus und eingängigem Basslauf widerwillig zum Hit geworden, ein Song, der exemplarisch zeigt, wie Primus komplexe musikalische Strukturen mit poppiger Eingängigkeit zusammenbringen. Claypools Gesangsstil, der eher an einen exzentrischen Geschichtenerzähler erinnert, verleiht dem Song eine zusätzliche Ebene der Schrägheit.
'Those Damned Blue-Collar Tweekers' ist ein Stück, das die soziale Realität der amerikanischen Arbeiterklasse mit einer Mischung aus Empathie und schwarzem Humor beleuchtet. Die hypnotische Basslinie und die dissonanten Gitarreneinwürfe schaffen eine Atmosphäre nervöser Energie, die dem Thema des Songs entspricht.

"Sailing the Seas of Cheese" ist durchdrungen von einer ironischen, satirischen Haltung gegenüber allem, was es behandelt; der Humor untergräbt die Musik aber nie. Primus erschaffen eine Welt, die vertraut und vollkommen fremd erscheint, einen musikalischen Zerrspiegel, der die Absurditäten des modernen Lebens reflektiert und genüsslich verzerrt. Das Vorgängerwerk mag einen lauteren, bis heute präsenteren Nachhall gehabt haben, und mancher mag "Frizzle Fry" wegen seiner Rohheit und größeren Greifbarkeit vorziehen. Für mich bleibt "Sailing the Seas of Cheese" das beste Werk der Band: sperrig und vergnüglich, virtuos und absurd, visionär und restlos unverwechselbar. Eines der eigenwilligsten und schlüssigsten Werke einer Bewegung, die zur Zeit seiner Veröffentlichung gerade erst dabei war, ihre eigentliche Reichweite zu begreifen.

Anathema - Judgement

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AKTE GESCHLOSSEN

Wandelt sich eine Band derart radikal wie Anathema, kippt dies rasch in Beliebigkeit oder gar Selbstverleugnung. Mit "Judgement" gelingt den britischen Pionieren des atmosphärischen Rock etwas wesentlich Schwierigeres: die Bewahrung ihrer Identität bei gleichzeitiger vollständiger Neugestaltung des eigenen Sounds. Die doomdurchtränkten Frühwerke liegen inzwischen weit zurück, ihre emotionale Schwere jedoch nicht; sie erscheint hier lediglich in anderer Form, geläutert, konzentriert und von einer Reife durchdrungen, die auf "Alternative 4" bereits deutlich angelegt war, dort jedoch noch nicht dieselbe Selbstsicherheit besaß. Über nahezu die gesamte Spielzeit liegt ein Schleier tiefer Traurigkeit über dem Album, doch ebenso wenig wie Anathema jemals der sentimentalen Selbstbemitleidung verfielen, geraten sie hier in hoffnungslose Finsternis. "Judgement" verharrt in einem wesenseigenen Schwebezustand; weder Nacht noch Tag, weder Resignation noch Zuversicht gewinnen endgültig die Oberhand. Aus dieser permanenten Spannung heraus erwächst eine Geschlossenheit, die das Album nicht lediglich zusammenhält, sondern ihm den Charakter eines einzigen, in sich geschlossenen Gedankengangs verleiht.

Einen gewichtigen Anteil an der Wirkung von "Judgement" trägt die Produktion, die auf Klarheit und Transparenz setzt, ohne dies je mit dem Preis der Dichte zu bezahlen. Der Opener 'Deep' eröffnet diese Welt aus verhallten Gitarrenflächen und verhaltener Schwermut. Vincent Cavanagh singt mit einer irritierenden Offenheit; jede Zeile wirkt weniger vorgetragen als freigelegt. Seine Stimme besitzt noch nicht die fragile Leichtigkeit späterer Jahre, trägt aber bereits diese Verletzlichkeit in sich, die für Anathemas weiteres Schaffen prägend werden sollte.

Maßgeblich lebt "Judgement" von Danny Cavanaghs Gitarrenarbeit. Virtuosität im klassischen Sinne sucht man hier vergebens; entscheidend ist vielmehr sein nahezu instinktives Gespür für Melodieführung. Seine Leadgitarren ziehen lange, wehmütige Linien durch die Songs, umspielen den Gesang, verdichten dessen Aussage oder widersprechen ihr gelegentlich. Oft genügt eine einzelne Melodiefigur, um mehr Sehnsucht, Verlust oder Trost auszudrücken als ganze Textpassagen. Streckenweise scheinen die Gitarren überhaupt die eigentliche Erzählerrolle einzunehmen; sie kommentieren das Geschehen nicht, sie sind das Geschehen.

Mit 'One Last Goodbye' erreicht das Album seine emotionale Mitte. Die Trauer um die verstorbene Mutter der Brüder Cavanagh wird hier weder dramatisiert noch ästhetisiert; diese Zurückhaltung schenkt dem Song seine enorme Intensität. Jede Note scheint von einer persönlichen Betroffenheit durchdrungen, die sich jeder romantisierenden Verklärung entzieht – ungeschützt, von schmerzhafter Ehrlichkeit, das Herzstück des Albums.

"Judgement" hält seine Intensität mühelos über die gesamte Spielzeit. 'Parisienne Moonlight' und 'Anyone, Anywhere' öffnen den Blick in ruhigere, teilweise nahezu entrückte Klangregionen, ohne die emotionale Stoßrichtung des Albums auch nur für einen Moment aus den Augen zu verlieren. Die Melancholie bleibt allgegenwärtig, erscheint jedoch in ständig wechselnden Schattierungen. Mal äußert sie sich als resignative Niedergeschlagenheit, mal als stille Kontemplation, mal als vorsichtige Hoffnung.

Die eigentliche Leistung von "Judgement" besteht darin, dass Anathema ihre Vergangenheit nicht abschütteln, sondern verfeinern. Die Schwere des Doom Metal ist weiterhin vorhanden, nur hat sie ihre äußere Gestalt verändert. Wo einst massive Riffs und schleppende Rhythmen dominierten, übernehmen nun Melodiebögen, Harmonien und atmosphärische Verdichtungen dieselbe Funktion. Rückblickend wirkt diese Entwicklung nicht wie ein Stilwechsel, sondern wie die folgerichtige Äußerung eines Potenzials, das von Beginn an vorhanden war. Bereits die frühen Werke ließen erkennen, dass Anathema stets stärkere Interessen an Atmosphäre und Emotion als an den stilistischen Konventionen ihres ursprünglichen Genres hatten.

"Judgement" bezeichnet Anathemas endgültigen Übergang zu einer der bedeutendsten Bands ihrer Zeit, unentbehrlich nicht nur für Anhänger der Band, sondern für jeden, dem musikalische Schönheit etwas bedeutet. Zahlreiche Bands loteten in den Neunzigern die Grenzen zwischen Metal, Alternative Rock und progressiven Einflüssen aus, es gelang aber kaum jemandem eine derart überzeugende Verbindung aus emotionaler Direktheit und kompositorischer Reife. Dass Gruppen wie Katatonia oder weite Teile des melancholisch-atmosphärischen Progressive Rock der folgenden Jahre zumindest indirekt von diesem Album profitierten, verwundert kaum.

Auch mehr als ein Vierteljahrhundert nach seiner Veröffentlichung hat "Judgement" kaum etwas von seiner Wirkung eingebüßt. Nicht deshalb, weil einzelne Songs außergewöhnlich spektakulär wären oder weil das Album auf einen alles überragenden Höhepunkt zusteuerte; seine Größe liegt vielmehr in der Summe seiner Bestandteile, in der seltenen Folge, mit der Atmosphäre, Songwriting, Produktion und emotionale Wahrhaftigkeit ineinandergreifen. Für mich bleibt es das bedeutendste Album der ausklingenden Neunziger, nicht aufgrund irgendeines historischen Status, sondern weil kaum ein anderes Werk dieser Zeit Trauer, Sehnsucht, Verlust und Hoffnung in vergleichbarer Geschlossenheit zusammenbringt.

Gelesen und einverstanden,
Dresden, den 15.09.2024

Handzeichen: Oberprüfer J.

EINGEGANGEN

21. SEPT. 2024

ARCHIV-VERWALTUNG

Karat - Der blaue Planet

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AKTE GESCHLOSSEN

Innerhalb der deutschsprachigen Rockmusik nehmen Karat eine Sonderrolle ein; als eine der wenigen Bands des Ostblocks, deren Popularität nicht an dessen Grenzen endete, gelang ihnen mit dem 1982 erschienenen "Der blaue Planet" der große Wurf, auf den die gesamte Entwicklung der vorangegangenen Jahre bereits hinauslief.

Die schon auf früheren Alben erkennbare Verbindung aus melodischem Progressive Rock, sorgfältig ausgearbeiteten Arrangements und nicht selten gesellschaftskritischen und lyrisch anspruchsvollen Texten wird hier gewissermaßen zu Ende gedacht. Dass "Der blaue Planet" trotz seines beträchtlichen kompositorischen Anspruchs nie den Kontakt zur Eingängigkeit verliert – eine Gratwanderung, an der weit renommiertere Progressive Rock-Bands scheiterten –, zählt zu seinen größten Qualitäten. Der Titelsong 'Der blaue Planet' gehört fraglos zu den stärksten deutschsprachigen Rocksongs der Achtzigerjahre. Über weit ausgreifenden Keyboardflächen, denen sich dezent eingestreute Gitarrenakzente wie Risse in einer sonst geschlossenen Oberfläche beimischen, entwickelt Herbert Dreilich mit seiner charakteristischen Stimme eine Unausweichlichkeit, die dem Song seine eigentliche Größe beschert; die ökologische und friedenspolitische Dimension bleibt stets präsent, wird aber nie derart plump ausgestellt, dass der Song zur bloßen Botschaft verkäme.

Mit 'Blumen aus Eis' findet sich eine der eindrucksvollsten Balladen des Albums, deren Bildsprache das Paradoxe schon im Namen trägt. Die Spannung zwischen anmutiger Melodieführung und Text bringt eine unterschwellige Melancholie mit sich, die weit über den historischen Entstehungskontext hinausweist, und gerade in solchen Momenten, komplexe emotionale Zustände in scheinbar mühelose Melodien zu überführen, zeigt sich die besondere Stärke Karats.

Nicht ganz unerheblich ist zudem, wie differenziert das Album produziert wurde. Die Instrumente stehen klar voneinander getrennt im Klangbild, jedes an seinem Platz, ohne dass darunter die Geschlossenheit des Gesamtklangs leiden würde; vor allem die Keyboardarbeit von Ulrich "Ed" Swillms prägt den Charakter des Albums nachhaltig, viele Arrangements wirken symphonisch, ohne jemals ins Bombastische abzugleiten. Gegenüber Alben wie "Über sieben Brücken" fällt die gewachsene kompositorische Geschlossenheit auf; vieles wirkt konzentrierter und ausgereifter, hier fand die Band ihre Balance zwischen Anspruch und Zugänglichkeit. Songs wie 'Gewitterregen' verdeutlichen, wie selbstverständlich Karat komplexere Strukturen in klassische Songformen integrieren konnten.

Auch die innere Geschlossenheit des Albums als Ganzes ist bezeichnend. Vom titelgebenden Eröffnungsstück bis zu den nachdenklicheren Momenten eines Songs wie 'Wie weit fliegt die Taube' zieht sich eine thematische Linie durch das Werk, ohne dass sie jemals den Eindruck eines übergeordneten Konzepts erzwingen wollte; die wiederkehrenden Motive von Sehnsucht, Verlust und Hoffnung verleihen den Songs einen gemeinsamen emotionalen Kern, einen eher erahnbaren roten Faden. Dass die technischen Möglichkeiten der DDR-Studiolandschaft nicht mit westlichen Spitzenproduktionen konkurrieren konnten, hört man an einigen Stellen zwar durchaus, gerade diese leichte Schroffheit wirkt jedoch eher charakterbildend als störend. Das Album bleibt untrennbar mit seinem historischen Kontext verbunden; in seiner Entstehungsepoche politischer und gesellschaftlicher Verhärtungen gelang Karat eine Sprache, die weit über ihren ursprünglichen kulturellen Kontext hinaus verständlich blieb. Der Stellenwert des Albums innerhalb der deutschen Rockgeschichte ist entsprechend beträchtlich, und dass ein derart ambitioniertes Werk unter den Bedingungen der DDR entstehen konnte, macht seine Qualität eher bemerkenswerter als erklärbarer. Auf kulturhistorische Symbolik lässt sich das Album zwar reduzieren, gerecht wird man ihm dadurch allerdings nicht, denn wer nur den Zeitzeugen in 'Der blaue Planet' hört, überhört leider den Song.

Auch mehr als vier Jahrzehnte nach seiner Veröffentlichung hat "Der blaue Planet" wenig von seiner Wirkung verloren. Das liegt nicht allein an seinen starken Melodien oder der hohen kompositorischen Qualität, sondern an dem Umstand, dass es andernorts leicht in Zeitgeist oder Pathos hätte umschlagen können; gerade deshalb zählt das Album nicht nur zu den stärksten Veröffentlichungen Karats, sondern zu den überzeugendsten deutschsprachigen Rockproduktionen seiner Zeit überhaupt.

Gelesen und einverstanden,
Dresden, den 14.09.2024

Handzeichen: Oberprüfer J.

EINGEGANGEN

17. SEPT. 2024

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