Wie klingt die absolute Dunkelheit? CELTIC FROST gaben darauf 2006 die Antwort und veröffentlichten mit "Monotheist" vielleicht nicht nur ihr bestes Werk, sondern zugleich einen unerreichbaren schwarzen Brocken, der immer noch unangetastet jedes danach veröffentlichte Black-Metal-Album verpuffen lässt.
Black Metal im wahrsten Sinne des Wortes – also wirklich rabenschwarze und tiefgründige Dunkelheit, zelebriert in Text, Musik und Sound. Bereits die ersten Sekunden des Openers 'Progeny' klingen sofort vertraut – vertraut im Sinne von "Morbid Tales", "Emperor's Return" und "To Mega Therion". CELTIC FROST setzen mit 'Progeny' den noch am typischsten "old school"-mäßigen Song direkt an den Anfang des Albums. Alles wirkt sofort vertraut: die Gitarre von Thomas Gabriel Fischer, die monströsen und zugleich unbeschreiblichen Riffs und natürlich diese wahnsinnige Stimme sowie der brodelnde Bass von Martin E. Ain.
Mit dem zweiten Song 'Ground' wird gnadenlos alles plattgewalzt. Ein Riff, ein Beat, ein alles vernichtender Bassteppich und Fischers unfassbar hasserfüllter Gesang. Doomig schleppt sich der Song durch alle Hirnwindungen.
Was danach folgt, ist vielleicht das fieseste Stück Metal, das unter dem Banner Black/Death Metal in den letzten zehn Jahren komponiert wurde. 'A Dying God Coming into Human Flesh' steigert sich zu einem Psychotrip der Extraklasse. Pure Gänsehaut, pure Finsternis, irre negative Gesangsleistung und eine Abwärtsspirale ins Ungewisse. 'Drown in Ashes' ist nichts weiter als trostlose, einsame Traurigkeit. Fischer liefert sich mit Lisa Middelhauve ein gnadenlos gutes Gesangsduett, das nicht eine Millisekunde aufgesetzt wirkt. Atmosphärisch ist es der dichteste und ergreifendste Song auf "Monotheist", der so wunderbar dahinschwebt.
'Os Abysmi Vel Daath' schleift sich zäh und mit Monsterriffs durch fast sieben Minuten. Unglaublich, wie man mit zwei bis drei Anschlägen auf der Gitarre eine solche monströse Wand erschaffen kann. In 'Obscured' geht es dann etwas gothischer zu. Wieder gibt es ein Duett, diesmal mit Simone Vollenweider. Der Song hätte auch locker auf "Into The Pandemonium" stehen können. 'Domain of Decay' und 'Ain Elohim' beenden im typischen CELTIC FROST-Stil den regulären Albumkontext – mit jeder Menge Fischer-Riffs, pumpenden Bassfundamenten und diesem direkt aus der Hölle stammenden Gesang.
Der letzte Teil des Albums, 'Triptych', umfasst knapp 25 Minuten und ist in drei Songs aufgeteilt. Eingeleitet durch 'Totengott', eine Dark Ambient-Collage mit einer geisteskranken Darbietung von Fischer am "Gesang". Innerhalb von 4:27 Minuten wird locker alles in den Schatten gestellt, was sich seit Ende der Neunziger im Bereich Black Metal als "evil" bezeichnet. Dieser Song sollte als Kanon im Black Metal eingesetzt werden!
Dann folgt das bösartigste Stück Black Metal seit Erfindung des Genres. Oh man, wenn ich nur diese Riffs beschreiben könnte – diesen völlig einzigartigen Gitarrensound, den nur CELTIC FROST besitzen. Ab 2:46 im Song 'Synagoga Satanae' erklingt dieser Ton, der so charakteristisch für Fischer ist. Es scheint, als müsse er einen Pakt mit dem Teufel eingegangen sein, um diesen besonderen Sound zu kreieren. Die Songs könnten alle schlecht sein – ich würde das Album trotzdem lieben, allein wegen diesem völlig irre machenden Gitarrenton. Wenn Fischer stimmlich komplett ausflippt, psychopathisch aufheult und finster knurrt, ist das mit Worten kaum zu beschreiben. Knapp 15 Minuten lang wird man in 'Synagoga Satanae' durch die schlimmsten Ecken der Hölle geschickt.
Das abschließende 'Winter' beendet das Album auf eine ruhige, aber beunruhigende Art und Weise.
Monotheist ist Lehrwerk, Sucht, Glückseligkeit, Hass, Finsternis, Zerstörung, Abgrund, Lava – und vielleicht die Hölle in Musik gepresst. Es gibt kein vergleichbares Album, das so düster, so ehrlich, so gnadenlos und so überzeugend authentisch bösartig ist.
Nebenbei möchte ich auch lobende Worte für Peter Tägtgren erwähnen, der es geschafft hat, dass der Sound nicht überladen oder matschig klingt, obwohl er nicht als Hauptproduzent tätig war. Soundmäßig killt Monotheist gnadenlos jede High-End-Produktion.
Neben den ersten beiden Alben von ENTOMBED, "Under A Funeral Moon", den heiligen Kyuss-Werken und natürlich den 70er-Black-Sabbath-Schablonen, gab es in der Welt der harten Gitarren nie wieder einen ehrfürchtigeren Gitarrensound.
Das Verhörzimmer der Bundesprüfstelle für abwegige Gesinnung.
Sonntag, 31. Dezember 2017
Celtic Frost - Monotheist
Samstag, 30. Dezember 2017
Psychotic Waltz - Into the Everflow
HAUPTVERWALTUNG A (HVA) / ABTEILUNG 7
HAUPTSITZ: DIENSTKOMPLEX NORMANNENSTRASSE, LICHTENBERG, OST-BERLIN
AKTENZEICHEN: BPfAG-HVA-Blog-1993-heute-026-SUB
KOPIE NR.: 01/70
Denke ich heute an "Into The Everflow", kehrt augenblicklich die Erinnerung an eine Zeit zurück, in der Musik noch keine Grenzen zu kennen schien, weder ästhetische noch emotionale. Unangekündigt traf mich dieses Album um das Jahr 1999 mit einer entsprechenden Heftigkeit. Es riss mich in einen Zustand von Euphorie, in ein flirrendes Gemenge aus Farben, Trugbildern und einer Emotionalität, die über die Ufer trat und meinen damaligen musikalischen Horizont für immer verschob.
"Into The Everflow" besitzt eine derart eigentümliche Aura, dass es sich bereits in den ersten Minuten mit beunruhigender Selbstverständlichkeit unter meine prägendsten Hörerfahrungen einsortierte. Ließe sich sein emotionaler Überschwang in eine physische Substanz überführen, ich würde sie mir wohl bedenkenlos direkt in die Blutbahn injizieren; in seiner psychedelischen Sogwirkung erscheint dieses Album auch heute noch überwältigend narkotisch. Jeder einzelne Song stellt eine kurze Suspendierung gewöhnlicher Wahrnehmung dar, butterweiche Stimmungswechsel und ineinander verschachtelte Emotionsebenen, deren Wirkung sich nur schwer rational entschlüsseln lässt.
"Into The Everflow" ist ein psychedelisch aufgeladener Entwurf von Progressive Metal, der sich zwar erkennbar aus den Traditionen des Genres speist, dessen Dramaturgie sich jedoch beharrlich jeder linearen Erwartung entzieht. Die Gitarrenarbeit von Dan Rock und Brian McAlpin besitzt eine Flüssigkeit und eine Zerklüftung im selben Ton, wie man sie selbst innerhalb des Progressive Metal äußerst selten vernimmt. Mit beängstigender Präzision greifen die beiden Gitarren ineinander, mal fragil und träumerisch schwebend, dann wieder aufflammend in neuer Gestalt. Während einzelne Riffs mit eruptiver Gewalt in die Songs einbrechen, sind die Soli in ihrer melodischen Intuition entrückt.
Rhythmisch verweigert sich das Album ebenfalls schablonenhafter Orientierung. Die Songs gleiten zwischen kontrollierter Virtuosität und traumhafter Losgelöstheit hin und her; ständig entsteht der Eindruck einer Musik, die ihre eigene Logik über jede Regel stellt.
Über dieser stetig changierenden Instrumentierung erhebt sich Buddy Lackeys Stimme, deren Vortrag zwischen verletzlicher Bescheidenheit und manischer Beschwörung vibriert, ohne dass der emotionale Fluss der Musik darunter zerbricht.
Gerade 'Butterfly' entwickelt mit seinen schwebenden Harmonien und dem unwirklichen Spannungsaufbau einen Sog, der sich erst lange nach dem Verklingen des Songs vollständig entfaltet. Überhaupt existiert auf "Into The Everflow" kein Moment, der beiläufig oder funktional erschiene; jede Passage, jede melodische Volte scheint präzise auf die Gesamtwirkung des Albums abgestimmt.
Die Songstrukturen sind so organisch und unberechenbar, dass sich die Musik fortwährend neu zu organisieren scheint. Auch heute besitzt "Into The Everflow" noch diese kaum greifbare Intensität, die nur wenigen Alben dauerhaft erhalten bleibt. Es saugt einen vollständig in sich hinein, zieht einen in eine Welt aus bunten Melodien, rastlosen Rhythmuswechseln und traumhaft verschobenen Klängen, deren Zauber weder kalkuliert noch verkopft erscheint und sich selbst nach zahllosen Durchläufen nicht erschöpft.
Dresden, den 30.12.2017
Handzeichen: Oberprüfer J.
Mittwoch, 27. Dezember 2017
Oldboy
Min-sik Choi liefert hier eine denkwürdige Leistung ab. Seine Mimik und Gestik sind selbst für das asiatische Kino einmalig. Neben den Rachefantasien, Gewaltausbrüchen und Kampfszenen, die nicht versuchen, den Film damit zu überladen, sondern sehr dosiert und stilsicher eingesetzt werden, gibt es unglaublich viele schöne Momente. Etwa, wenn Oh Dae-su im Bett seiner "Zelle" liegt und die Kamera nach rechts fährt, sich dabei das Bild in eine andere Landschaft verwandelt und er aus einem Koffer klettert. Oder wie die unglaublich zuckersüße Mi-do von Einsamkeit spricht, und die Szene plötzlich in eine leere Bahn übergeht, wo sie alleine mit einer übergroßen Ameise sitzt. Das sind genau diese Momente, die den Film weit über das hinausheben, als was er oft angesehen wird.
Dann gibt es natürlich auch noch solche ikonischen Szenen wie die berühmte Szene im Sushi-Restaurant, in der ein lebendiger Kalmar von Min-sik Choi verspeist wird, oder die Kampfszene vor dem Fahrstuhl, die ohne Schnitt auskommt. Die Reduzierung auf einen reinen Rachethriller halte ich für unangebracht, denn es ist auch gleichzeitig ein (versteckter) Liebesfilm, der mich auch heute noch zu Tränen rührt.
Neben den grandiosen Dialogen und dem Monolog von Oh Dae-su nimmt auch die Musik einen großen Platz im Film ein. Park versteht es, die Musik so meisterhaft einzusetzen wie ein Kubrick. Besonders das Herzstück 'The Last Waltz' gehört zu den schönsten Momenten der Filmwelt. Es ist eines dieser epischen Großwerke, die nur alle paar Jahre im Kino auftauchen (ähnlich wie bei dem ein Jahr früher erschienenen "Cidade de Deus"), bei denen Regie, Kamera, Story, Tempo, Schauspiel, Musik, Benommenheit und Schönheit perfekt ineinandergreifen und noch lange nach dem Ende im Kopf bleiben.
Dies liegt auch zu einem großen Teil am Ende, das so monströs einwirkt, wie es mir davor und danach nie wieder widerfahren ist. Ich könnte suchen, wie ich will – ich finde keinen einzigen Schwachpunkt an diesem Meisterwerk. Park gehört schon lange zu meinen Lieblingsfilmemachern. Auch wenn er inzwischen ein paar durchschnittlichere Werke abgeliefert hat, hat er mit "Oldboy" einen Meilenstein des (asiatischen) Kinos erschaffen, der mit Sicherheit in ein paar Jahrzehnten eine ähnliche Bedeutung haben wird wie die großen Kurosawa-Klassiker.
Dienstag, 26. Dezember 2017
Leviathan
- 3D? So nah und intensiv am und im Geschehen ist man in keinem 3D-Film, nicht heute und auch nicht in der Zukunft! Der Film degradiert dieses "hippe Phänomen" mit seiner perfekten Bildhandwerkskunst zu einem bloßen Gimmick.
- Der unfassbare SOUND! So nervenzehrend und abgrundtief einschüchternd wie das langsame Ertrinken auf dem Ozean. Einen so intensiven Sound habe ich bei keinem "normalen" Film bisher erlebt.
- Ich könnte mir vorstellen, dass der Film bei einigen Leuten Seekrankheit hervorrufen könnte – das Kino oder Sofa wird zum stinkenden Meereskutter.
- Bilder von unglaublicher Intensität: Sie wirken nach und bleiben sehr lange im Kopf. Man könnte sogar sagen, dass sich manche Bilder regelrecht einbrennen. Ein fröhliches Würgen könnte beim Genuss dieser Eindrücke ein ständiger Begleiter sein. Die Szene mit den Plattfischen zum Beispiel hat mich extrem geschockt.
- Der Schnitt ist schlicht phänomenal!
- Keine Dialoge, keine Musik (obwohl man im donnernden Maschinen- und Natursound tiefschwarze Ambientsounds erkennen könnte).
- Der Film regt zum Nachdenken an und zeigt die ungeschönte Realität auf dem Meer. Es wird weder kommentiert noch mit dem Finger gezeigt. Es gibt nur Bilder, Sound und die rohe Verbindung zwischen Mensch und Natur.